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La llegada de la Navidad siempre nos trae sorpresas cinematográficas, desde el clásico niño que se equivoca de avión y termina sólo en Nueva York, hasta el secuestro de Santa Claus. Este año las sorpresas no se quedaron atrás. Jim Carrey junto con Robert Zemeckis (Forest Jump) nos presentan quizá el último clásico de la década, Los Fantasmas de Scrooge.

Una adaptación de Cuentos de Navidad de Charles Dickens, la cual ha tiene versiones hasta de los Picapiedra, es el relato principal de la película. Scrooge, un anciano enojado con la vida es visitado por el Fantasma de la Navidad Pasada, Presente y Futura. Cada uno de ellos tiene la misión de hacerle ver a este amargado personaje sus errores en la vida, los cuáles han provocado que odie tanto esta festividad.

La historia ya casi todos nos la sabemos, pero lo interesante en esta película es la manera en que fortuitamente aprovechan la tecnología del 3D. No es una de esas películas donde sólo el principio está hecho con esta técnica, cada escena tiene algún detalle por minúsculo o grandioso que sorprende al espectador por la calidad que se maneja.

Robert Zemicks muestra distintas atmósferas lúgubres y tenebrosas a lo largo del filme dependiendo del fantasma que está a cuadro, haciendo inevitable en algunos momentos recordar a Tim Burton y su Extraño mundo de Jack,  en donde mezcló la Navidad con su antítesis, el Halloween.

Esta cinta más que ser la película de la época navideña, es un parte aguas en el cine. Los efectos y los detalles en las gesticulaciones y expresiones de los personajes son increíbles, en algunas ocasiones uno entra en un dilema sobre qué tan digital es la toma o qué tan real es. La técnica que utilizaron en la película fue por medio de sensores que les ponían a los distintos personajes en cuerpo y cara, para capturar las expresiones de los actores y sobre ellas trabajaban la parte de la animación.

Jim Carrey, actúa y es la voz de 8 personajes en la película. A cada uno de ellos le da un matiz especial y se puede apreciar el gran trabajo de actuación que realizó en la cinta, que de no ser animada, seguro tendría su primera nominación al Oscar que tan merecida tiene.

La película fue pensada en llevarla a lo más real posible, es así que los aspectos de una película no animada son realizados a la perfección, la fotografía y la ambientación son sobresalientes. En fin,  Los Fantasmas de Scrooge 3D, más que una buena película, es toda una experiencia en cine.

“This is not a love story”

Es una de las frases con las que acertadamente el director de videos musicales Marc Webb nos presenta su ópera prima. Alejados de los convencionalismos de las comedias románticas hollywoodenses, este realizador nos muestra una nueva alternativa de cómo contar una historia de amor o antiamor, según la percepción de cada quién.

La historia está contada en saltos durante los 500 días en los que Tom, representado por Joseph Gordon-Levitt (G.I. Joe, 2009), cuenta la forma en que surgió el amor y el desamor con su compañera de trabajo Summer, interpretada por la inexpresiva Zooey Deschanel (Yes man!, 2008). En la narración vamos del día 1 al 255, regresando al 133 sin un orden específico, que por medio del dibujo de un paisaje donde vemos un árbol en primer plano, podemos ver cómo estuvo el estado de ánimo de Tom en ese día: el árbol está verde y el día soleado cuando le fue bien con respecto a Summer o sin hojas y gris cuando ese día tuvo una jornada pésima.

Es así que por medio de brincos al presentarnos días independientes, el director Marc Webb hace uso de su experiencia como director de videos de grupos como My Chemical Romance, Hilary Duff, Hot hot heat o Fergi, haciendo de cada episodio un pequeño video musical que le da una gran agilidad y dinamismo a la película. Utiliza distintos tipos de fotografía durante el filme que va acorde a la situación que se narra, vemos extraordinarios momentos de felicidad así como falladas escenas de desolación.

Marc Webb nos muestra la forma en que la mayoría de las relaciones se desenvuelven en la actualidad, donde el miedo al compromiso es una característica principal. Por otro lado las actitudes de los personajes así como las situaciones en las que viven, ayudan a que el público se pueda identificar en algunas de las escenas. La situación es similar a la que noruego Joachim Trier presenta en su película Reprise (2008), donde nos muestra a la sociedad noruega común y corriente de la actualidad.

La música tiene un papel fundamental durante el filme, canciones de The Smiths, Regina Spektor, los Doves, The Faint y hasta de la primera dama francesa Carla Bruni, son afortunadamente acopladas a las escenas, dándoles a éstas un toque extra a lo que se muestra en pantalla. Los factores antes mencionados que utiliza el director, lo distraen de profundizar en los perfiles y sentimientos de los personajes principales. Solamente nos da un pequeño bosquejo de sus sentimientos y del por qué de sus reacciones, que se logran contradecir a lo largo de la película.Por otra parte hay un gran desperdicio y confusión al manejar los personajes secundarios, como la pequeña hermana de Tom que a sus 12 años se convierte en una consejera-psicóloga del amor.

500 días con ella es la película “indie” año, que al igual de Juno (Jason Reitman, 2007) innovan la forma en que se presenta una historia y crean con poco presupuesto una atmosfera confortante para el espectador, de la cuál muchas de las blockbuster de la comedia estadounidenses están alejadas.

Brüno es un periodista fashionista gay austriaco que al perder su trabajo por haber boicoteado el desfile de modas de Agatha Ruiz De La Prada, decide mudarse a Los Ángeles para convertirse en el austriaco más famoso del mundo, más aún que Hitler.

Sacha Baron Cohen y el director Larry Charles, quien también participó en Borat, deciden mostrarle a la cultura norteamericana de una forma extrema las características que tienen sus ídolos pop que los hacen famosos. Y peor aún, por qué la gente acepta y apoya estas causas sin saber que son utilizados para producir más dinero a dichos “artistas”.Por otra parte realizan una reflexión sobre la batalla que se tiene en ciertas regiones de Estados Unidos por aceptar la cultura gay.

Brüno desafortunadamente no tiene el mismo impacto mediático y social como lo logró Borat, una de las principales razones fue porque la película del reportero kazajistání fue realizada en un momento indicado, donde el repudio a Bush era un tema global y la forma en que se analizaba en la película era innovadora.

Este filme está realizado con mismo patrón de Borat, en la cual los creadores Baron Cohen y Larry Charles realizan un guión con las situaciones que quieren presentar en la película. Después en un tipo de documental-cámara escondida, logran las escenas donde el único actor es Brüno, así captan las reacciones de las personas inmiscuidas a cuadro y empieza el show.

Un gran logro lo realizan al entrevistar a Paula Abdul sobre la beneficencia que realiza, con la cual se ha ganado mucha fama. Lo peculiar de dicha escena es que la conductora acepta sentarse encima de un albañil mexicano que está en cuatro patas simulando ser una silla. En otra escena vemos como Brüno por su afán de ser famoso adopta un niño en África, el cual intercambió por un Ipod, y lo presenta a un talkshow de afroamericanos, donde se ve cómo éstos al lograr un punto de identificación con una persona del medio (en este caso Brüno por adoptar a un niño africano), le entregan todo su apoyo y admiración, como en la vida real ocurre con famosos como Angelina Jolie o Madonna.

En la primera parte de la película Brüno hace todo lo que ve en las revistas que realizan los famosos estadounidenses para tener fama, como apoyar una causa altruista, ayudar a resolver el problema en Medio Oriente, crear vínculos con subculturas en Estados Unidos, etc. ¿Pero porqué Brüno no ha obtenido esa fama si ya realizó todo lo que hacen los “artistas”? La respuesta es fácil, no existe un famoso gay.

Esto da pie a que la segunda parte de la película torne al alrededor de la aceptación de la comunidad gay en estados como Kansas. Donde Brüno decide ver a un Convertidor Cristiano que le da una serie de instrucciones, las cuáles el protagonista sigue al pie de la letra, para poder “vencer la enfermedad” y convertirse en hombre.

Es así que Sacha Baron Cohen nos demuestra su gran capacidad para reinventarse actoralmente y una vez más le da una lección a los estadounidenses al burlarse de ellos, esta vez probablemente de una forma más agresiva y grotesca que en Borat, pero sin perder la esencia. Cada escena, cada situación, lleva a una reflexión sobre la sociedad en la que vivimos, donde podremos reírnos, sentirnos agredidos o simplemente no darnos cuenta que se está burlando de nosotros como le pasó a Bono, Chris Martin, Sting, Snoop Dog y Elton John los cuáles participan con Brüno en la grabación de una canción que no meramente se burla de ellos, más el proyecto completo sí.

Entrada

Película dirigida por Nora Ephorn, experta realizadora de comedias románticas caracterizada por escribir blockbusters como Tienes un email (1998), Bewitched (2005) y ser nominada al Oscar por su guión original en películas como Sintonía de amor (1993) y Cuando Harry conoce a Sally (1989).

En esta ocasión la directora neoyorkina ejecuta un ejercicio de guionismo interesante, en el cual adapta dos libros a la pantalla grande y nos muestra dos películas en una, las cuales tienen en común la pasión por la cocina. Por una lado adapta el libro homónimo de Julie Powell y el libro de recetas de la famosa cocinera estadounidense Julie Chlid, llamado Mastering the art of french cooking.

Sopa

Una “de las dos películas” que integran Julie & Julia, es la historia de Julie Powell, interpretada por Amy Adams (La duda, 2008), una mujer cercana a los treinta que trabaja en Nueva York asistiendo a los familiares de las víctimas del 11 de septiembre. Su trabajo, como ella misma lo describe, es triste y miserable, está cansada de la rutina en la que vive y le gustaría ser como sus amigas, es decir, exitosa. De pronto se propone una meta en su vida, realizar las 524 recetas del libro de Julia Child, de la cual es gran admiradora; y escribir un blog, donde narrará día a día la experiencia al realizar cada platillo.

Plato Fuerte

A la par que la vida de Julie, se nos presenta Julia Child, interpretada enérgicamente por Meryl Streep. Julia es una estadounidense que llega a vivir a Paris en los años 50, su aferración por ayudar a que las americanas sin sirvientas aprendan a cocinar comida francesa,  la lleva a enfrentarse al machismo francés para ingresar al Le Cordon Blue y realizar todas las metas que surgen durante su vida, mismas que la llevaron a convertirse en un ícono culinario del siglo pasado.

Postre

Una vez más Meryl Streep nos demuestra que es una de las grandes actrices en Hollywood, su talento para reinventarse, para adoptar un papel y hacerlo suyo es realmente admirable. El problema es que inconscientemente difumina a las co-actrices que comparten películas con ella, como en esta ocasión ocurre con Amy Adams  y el pasado en películas como El diablo viste a la moda (2006) o Mama Mia!(2008), donde las coestrellas Anee Hethaway y Amanda Seyfried son opacadas ante el actuación de Streep.

Por otro  lado Nora Ephorn consigue transportarnos de una forma muy bella al Paris de los años 50, el vestuario, la ambientación, el cuidado que tiene en cada escena hace que esta parte de la película envuelva al espectador en una atmósfera de humor, genialidad e ímpetu que transmite el personaje de Julia Child, logrando grandes escenas por las que seguramente será recordada la directora neoyorkina.

El vaivén de una época a otra no le hace ruido al espectador, ambas partes de las películas están muy bien ligadas y se logran contrastes interesantes entre la sociedad francesa y la estadounidense, entre el papel de la mujer en la sociedad de los cincuentas y del dos mil, entre las relaciones de pareja de mediados del siglo pasado y de principios de este.

Alka seltzer (para las agruras)

Aparte de la actuación de Amy Adams, existe otro error crucial en la película, la directora decide irse por el camino más fácil y resuelve la cinta con un mensaje y ambiente de optimismo para todas mujeres, en vez de explotar la pasión por la cocina y la relación tan cercana que se puede tener con ella como nos muestra Ang Lee en Comer, beber y mar (1994) o Alfonso Arau en Como agua para chocolate (1992). Esto lleva a que los logros de los ingredientes principales de esta película, como la actuación de Streep y la concepción de grandes escenas, tengan un mal proceso de cocción y hagan que el resultado final esté un poco desabrido.

Los directores españoles Jaume Balagueró y Paco Plaza,  entregan la secuela REC, cinta que con el tiempo se ha hecho merecidamente de culto entre los seguidores del cine de horror, situación de la cual está muy alejada REC 2.

REC 2 comienza quince minutos después de la última escena de REC, ahora agentes SWAT van en camino al edificio en el cual se reporta una infección desconocida entre todos los habitantes del lugar. Los agentes no van solos a su misión, entran acompañados de un caricaturesco sacerdote alemán el cual los dirige para realizar su objetivo.

Lo que es admirable en REC es la innovación en la forma de envolver al espectador en un ambiente de tensión y terror usando una sola locación y una cámara en mano. En REC 2 vemos más presupuesto y efectos especiales lo cual nos hace pensar en la posibilidad de innovar en la creación de las escenas, pero es todo lo contrario, vemos la misma fórmula utilizada en la primera parte.

Las grandes influencias en este filme de los directores Balagueró y Plaza, son tres principalmente: los videojuegos, Alien (Ridley Scott, 1979) y el Exorcista (William Friedkin, 1973). El filme está narrado en tercera persona como un juego de Gear of Wars donde cada agente SWAT desde su cámara tiene una perspectiva distinta de lo que ve en el edificio. Así nos van pasando de cámara en cámara la primera media hora, para después ir pasando por pequeñas misiones y encontrando pistas que nos llevaran al objetivo final, tal como si fuera un juego de Xbox o Playstation.

Un gran acierto de REC son las grandes actuaciones, como la de la protagonista Angela Vidal (Manuela Velasco), la cual transmitía su miedo, preocupación y nerviosismo al espectador. En esta ocasión el talento actoral quedó a un lado, ahora los personajes alteran a la audiencia no por la tensión que se supone deben desbordar en la historia, sino por la falta de convencimiento de su estado de alteración que cae en la caricatura.

El guión de REC2 no convence del todo como la primera parte, quedan grandes vacios y errores tajantes en la historia. Lo admirable es una vez más el maquillaje, el sonido y la fotografía, realizada por Pablo Rosso el responsable de la cinematografía de REC. Estos elementos hacen ver el talento que hay en España, los cuales con un menor presupuesto, realizan y superan producciones de Hollywood.

Los directores de la cinta, Jaume Balagueró y Paco Plaza decidieron apretar por segunda vez el botón de REC, cuando hubiera sido mejor darle DELETE y quedarnos con una maravillosa primera parte.

Quentin Tarantino

Dos palabras que no sólo dan nombre a un cineasta, dos palabras que marcan una generación, dos palabras que abren una nueva brecha en el cine en cuestión de género y estilo fílmico, dos palabras que cargan una gran expectación en cada entrega que este director realiza.

Inglourious Bastards

Dos palabras que le dan nombre a la nueva película de Tarantino, la cual es catalogada, en las propias palabras del director como “ain’t your daddy’s World War II movie.” En efecto, la película narra la vida de personajes sedientos de venganza ante el régimen nazi, los cuales tienen como propuesta terminar con sus cabecillas y así satisfacer su necesidad de eliminar a este movimiento característico de los años 40.

El filme tiene lugar en Francia, lugar donde una banda de bastardos estadounidenses comandados por Lt. Aldo Raine (Brad Pitt), toman por asalto a líderes nazis para aniquilarlos salvajemente y así ir debilitando poco a poco sus fuerzas.  Por otra parte tenemos a Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent), una francesa a la cual el destino puso en sus manos la oportunidad de matar aquellas personas que en un momento de su vida le hicieron tanto daño.  Finalmente, como en tiempos de guerra, los planes de los conspiradores no se podrían llevar a cabo sin espías como la actriz Bridget von Hammersmark, increíblmente interpretada por Diane Kruger, la cual es una alemana que brinda información aquellos que quieren acabar con el Führer Hitler.

Hans Landa

Simplemente dos palabras: excelente actuación. El coronel Landa, personificado magistralmente por el alemán Christoph Waltz, es uno de los mejores cazadores de judíos que tenía Hitler a su mando.

Más que su importante participación dentro de la historia narrativa de la película, el verdadero valor de este personaje es la actuación de Waltz, el cual da fuerza, intensidad, humor, deseo de venganza y coraje al filme de Tarantino.  Es la gran médula espinal del filme, sin Waltz seguramente Unglorious Bastards sería simplemente una cinta más del director.

Este filme sigue teniendo todos las características claves de una película de Tarantino, hace honor a las de películas alemanas de la época de la postguerra, al igual que un gran tributo al cine italiano de los años 70. Por otra parte, Tarantino utiliza la técnica de Orwell en su libro Rebelión en la granja, donde cada personaje cuenta con paralelismos semióticos e ideológicos de políticos como Stalin o Trotsky.

Es así que Unglorious Bastards es una de las películas más complicadas de Tarantino para los espectadores, debido a que uno tiene la tarea de desglosar los significados que pueda ir captando del filme y así alimentar la historia e ir más allá de lo que se presenta linealmente en la cinta, ir a otro nivel donde todo tiene un sentido muy distinto al que se ve en pantalla.

La película cuenta con conversaciones intensamente largas y maravillosas, una serie de chistes, de información, de movimientos de cámaras que realizan grandes coreografías con las miradas y movimientos de los actores.

Es muy común escuchar hoy en día el debate si esta película supera a Perros de Reserva (1992), Pulp Fiction (1994) o Kill Bill (2003-2004). Simplemente son obras que no se pueden comparar, cada película fue realizada en el momento indicado y representa un episodio en la historia del cine. Tal vez  Unglorious Bastard no será representativa de la década como Tiempos Violentos, por ser un filme de época, pero sí será recordada como película anti-nazi que seguramente nuestros hijos tendrán que ver.

Séptimo arte

Dos palabras a las cuales Unglorious Bastard le hace honor…  o/y viceversa.

Algunas de las biografías que vemos en el cine tienen las características de narrar la vida de héroes, de personas que lucharon por sus ideas, de gente que tuvo el valor para enfrentar a la sociedad, de personas que nacen en la miseria y mueren en la opulencia. Pero los pequeños giros de la vida de Coco Chanel, reflejados en la cinta Coco antes de Chanel, nos llevan a ser espectadores de una peculiar antibiografía.

La película dirigida por Anne Fontaine, directora de La fille de Monaco, película que pudimos ver en el Tour de Cine Francés de este año,  nos narra la vida de Grabrielle Chanel, una niña abandonada en un orfanato de monjas donde aprendió a coser. Años después, trabajó en un taller de sastrería en el día y en la noche cantaba junto con su hermana en un cabaret Qui qu’a vu Coco, canción que la llevó adoptar el apodo de Coco.

Gabrielle siempre tuvo un sueño, el llegar a Paris junto con su hermana a cantar en un elegante restaurante, ser famosa, rica y tener a Francia sus pies. Ella sabía que para lograr ese objetivo, necesitaba contactos, es por ello que se enroló con Étienne Balsan (Benoît Poelvoorde), un barón de la socialité francesa. Gabrielle que venía del abandono y de la pobreza extrema no le importó el rebajarse, esconderse y humillarse para lograr su meta.

Anne Fontaine, traza sutilmente la personalidad de Gabrielle Chanel. El ímpetu, seguridad y decisión que muestra de esta mujer se ve reflejada en sus conversaciones, en su atuendo, en su unicidad que la llevan a sobresalir dentro de la alta sociedad de principios de siglo en Francia; y así empezar a construir el camino que llevaría de Gabrielle Chanel a ser Coco Chanel.

La película, como bien nos dicta el título, narra la vida de Gabriel, más no de Coco. Muestra los años donde conoció el dinero, donde tomó decisiones que forjaron su futuro, donde conoció el amor y donde entreteje una mentalidad alejada del matrimonio y concentrada en la independencia femenina, concepto social desconocido a principios de siglo.

Cabe mencionar que la actuación Audrey Tautou al interpretar a Gabrielle Chanel, es sobresaliente. Muestra una delicada frivolidad y una exacerbada inteligencia que la reinventan como actriz, por fin pudo dejar a un lado el estereotipo de Amelié (2001), el cual ella forjó al actuar de la misma manera en sus demás películas como en A Very Long Engagement (2004) o en The Da Vince Code (2006).

Si un día tienen la oportunidad de observar un Classic Chanel, observen la seguridad, la elegancia, la fuerza, la sobriedad y la discreción del conjunto, características que se encargaron de cortar, coser y bordar puntada a puntada en este filme Anne Fontaine y Audrey Tautou.

Coco antes de Chanel

Algunos directores optan por adaptar Best Sellers o cualquier otra literatura al cine. Muchas veces se obtienen fenómenos como Código Da Vinci o nacen películas de culto como El Padrino. Joe Wright, director de grandes películas como Orgullo y Prejuicio (2005) y Atonement (2007), es asiduo de esta fórmula. ¿Pero qué pasa cuando el cine es insuficiente para representar aspectos y sensaciones que sólo la literatura puede ofrecer?

El solista, reciente película del director británico Joe Wright está inspirado en el libro del mismo nombre del articulista de Los Ángeles Times, Steve López (Robert Downey Jr.), el cual escribe historias de personas que tienen que aportar algo a la sociedad en Los Ángeles.

Un día tratando de buscar la una historia para su artículo, se topó con Nathiel Ayers (Jamie Foxx), un músico vagabundo entusiasta de la obra de Beethoven. La conversación que tuvieron lo llevó a escribir de aquel encuentro atrayendo la atención de su público; lo cual obligó a López a buscar a Nathiel por toda la ciudad y así poder conseguir más información sobre su vida.

El libro del López narra todos estos encuentros, las conversaciones, de cómo un músico que estuvo a punto de formar parte de la Orquesta de Nueva York, terminó pidiendo limosna en las calles de Los Ángeles.

Esta película es todo un reto para Wright, en primer lugar porque es su primer trabajo en cine que no es de época y en segundo lugar porque el tema envuelve en sensaciones relacionadas con la música, el arte y la locura, aspectos que quedan opacadas en el filme y bien libradas en libro; lo cual provoca que el director británico caiga en la confusión de tesis, dándole giros al hilo conductor de la película que nunca llega a ninguna parte.

Lo interesante, rescatable y aplaudible de la cinta, es la versatilidad que tiene Wright al crear cada escena, cada una es un pequeño video clip con una estética maravillosa, una armonía técnica que trae como resultado una cinta que explota únicamente dos talentos: el trabajo del director y la innovadora fotografía de Seamus McGarvey.

Por cierto, se extrañan esas secuencias coreográficas sin cortes de más de diez minutos que solo Wright puede lograr.

Vivir de nuevo (Reprise), es la película más reciente de Joachim Trier, una joven promesa del cine noruego. Este filme trata sobre la creación literaria de dos personajes, del temor que se tiene al escribir y de descubrir fibras que uno no conoce de su persona, de enfrentar los miedos de vivir, de disfrutar, de sonreír y probablemente de morir.

La película muestra de forma peculiar a la juventud noruega alejada de la fiesta, de los excesos y del alcohol. Aquí conocemos a una parte de la generación olvidada en el cine, una generación formada por jóvenes que simplemente tienen una novia, estudian, trabajan, se divierten con los amigos y repiten el mismo ciclo cada semana.

Joachim Trier al hacer una película sobre jóvenes escritores, recurre al cambio en narrador continuamente, así como en el tiempo, pasando del presente al futuro, al pasado, a un futuro incierto y al presente inexistente.

Vivir de nuevo muestra una nueva ola del noruego, donde la innovación en la narración y la sutileza del director hacen que su próximo trabajo sea un parte aguas que probablemente lo consolide en el mundo del cine europeo.