REC 2

REC 2

Los directores españoles Jaume Balagueró y Paco Plaza,  entregan la secuela REC, cinta que con el tiempo se ha hecho merecidamente de culto entre los seguidores del cine de horror, situación de la cual está muy alejada REC 2.

REC 2 comienza quince minutos después de la última escena de REC, ahora agentes SWAT van en camino al edificio en el cual se reporta una infección desconocida entre todos los habitantes del lugar. Los agentes no van solos a su misión, entran acompañados de un caricaturesco sacerdote alemán el cual los dirige para realizar su objetivo.

Lo que es admirable en REC es la innovación en la forma de envolver al espectador en un ambiente de tensión y terror usando una sola locación y una cámara en mano. En REC 2 vemos más presupuesto y efectos especiales lo cual nos hace pensar en la posibilidad de innovar en la creación de las escenas, pero es todo lo contrario, vemos la misma fórmula utilizada en la primera parte.

Las grandes influencias en este filme de los directores Balagueró y Plaza, son tres principalmente: los videojuegos, Alien (Ridley Scott, 1979) y el Exorcista (William Friedkin, 1973). El filme está narrado en tercera persona como un juego de Gear of Wars donde cada agente SWAT desde su cámara tiene una perspectiva distinta de lo que ve en el edificio. Así nos van pasando de cámara en cámara la primera media hora, para después ir pasando por pequeñas misiones y encontrando pistas que nos llevaran al objetivo final, tal como si fuera un juego de Xbox o Playstation.

Un gran acierto de REC son las grandes actuaciones, como la de la protagonista Angela Vidal (Manuela Velasco), la cual transmitía su miedo, preocupación y nerviosismo al espectador. En esta ocasión el talento actoral quedó a un lado, ahora los personajes alteran a la audiencia no por la tensión que se supone deben desbordar en la historia, sino por la falta de convencimiento de su estado de alteración que cae en la caricatura.

El guión de REC2 no convence del todo como la primera parte, quedan grandes vacios y errores tajantes en la historia. Lo admirable es una vez más el maquillaje, el sonido y la fotografía, realizada por Pablo Rosso el responsable de la cinematografía de REC. Estos elementos hacen ver el talento que hay en España, los cuales con un menor presupuesto, realizan y superan producciones de Hollywood.

Los directores de la cinta, Jaume Balagueró y Paco Plaza decidieron apretar por segunda vez el botón de REC, cuando hubiera sido mejor darle DELETE y quedarnos con una maravillosa primera parte.

Bastardos sin gloria

Bastardos sin gloria

Quentin Tarantino

Dos palabras que no sólo dan nombre a un cineasta, dos palabras que marcan una generación, dos palabras que abren una nueva brecha en el cine en cuestión de género y estilo fílmico, dos palabras que cargan una gran expectación en cada entrega que este director realiza.

Inglourious Bastards

Dos palabras que le dan nombre a la nueva película de Tarantino, la cual es catalogada, en las propias palabras del director como “ain’t your daddy’s World War II movie.” En efecto, la película narra la vida de personajes sedientos de venganza ante el régimen nazi, los cuales tienen como propuesta terminar con sus cabecillas y así satisfacer su necesidad de eliminar a este movimiento característico de los años 40.

El filme tiene lugar en Francia, lugar donde una banda de bastardos estadounidenses comandados por Lt. Aldo Raine (Brad Pitt), toman por asalto a líderes nazis para aniquilarlos salvajemente y así ir debilitando poco a poco sus fuerzas.  Por otra parte tenemos a Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent), una francesa a la cual el destino puso en sus manos la oportunidad de matar aquellas personas que en un momento de su vida le hicieron tanto daño.  Finalmente, como en tiempos de guerra, los planes de los conspiradores no se podrían llevar a cabo sin espías como la actriz Bridget von Hammersmark, increíblmente interpretada por Diane Kruger, la cual es una alemana que brinda información aquellos que quieren acabar con el Führer Hitler.

Hans Landa

Simplemente dos palabras: excelente actuación. El coronel Landa, personificado magistralmente por el alemán Christoph Waltz, es uno de los mejores cazadores de judíos que tenía Hitler a su mando.

Más que su importante participación dentro de la historia narrativa de la película, el verdadero valor de este personaje es la actuación de Waltz, el cual da fuerza, intensidad, humor, deseo de venganza y coraje al filme de Tarantino.  Es la gran médula espinal del filme, sin Waltz seguramente Unglorious Bastards sería simplemente una cinta más del director.

Este filme sigue teniendo todos las características claves de una película de Tarantino, hace honor a las de películas alemanas de la época de la postguerra, al igual que un gran tributo al cine italiano de los años 70. Por otra parte, Tarantino utiliza la técnica de Orwell en su libro Rebelión en la granja, donde cada personaje cuenta con paralelismos semióticos e ideológicos de políticos como Stalin o Trotsky.

Es así que Unglorious Bastards es una de las películas más complicadas de Tarantino para los espectadores, debido a que uno tiene la tarea de desglosar los significados que pueda ir captando del filme y así alimentar la historia e ir más allá de lo que se presenta linealmente en la cinta, ir a otro nivel donde todo tiene un sentido muy distinto al que se ve en pantalla.

La película cuenta con conversaciones intensamente largas y maravillosas, una serie de chistes, de información, de movimientos de cámaras que realizan grandes coreografías con las miradas y movimientos de los actores.

Es muy común escuchar hoy en día el debate si esta película supera a Perros de Reserva (1992), Pulp Fiction (1994) o Kill Bill (2003-2004). Simplemente son obras que no se pueden comparar, cada película fue realizada en el momento indicado y representa un episodio en la historia del cine. Tal vez  Unglorious Bastard no será representativa de la década como Tiempos Violentos, por ser un filme de época, pero sí será recordada como película anti-nazi que seguramente nuestros hijos tendrán que ver.

Séptimo arte

Dos palabras a las cuales Unglorious Bastard le hace honor…  o/y viceversa.

El solista

El Solista

Algunos directores optan por adaptar Best Sellers o cualquier otra literatura al cine. Muchas veces se obtienen fenómenos como Código Da Vinci o nacen películas de culto como El Padrino. Joe Wright, director de grandes películas como Orgullo y Prejuicio (2005) y Atonement (2007), es asiduo de esta fórmula. ¿Pero qué pasa cuando el cine es insuficiente para representar aspectos y sensaciones que sólo la literatura puede ofrecer?

El solista, reciente película del director británico Joe Wright está inspirado en el libro del mismo nombre del articulista de Los Ángeles Times, Steve López (Robert Downey Jr.), el cual escribe historias de personas que tienen que aportar algo a la sociedad en Los Ángeles.

Un día tratando de buscar la una historia para su artículo, se topó con Nathiel Ayers (Jamie Foxx), un músico vagabundo entusiasta de la obra de Beethoven. La conversación que tuvieron lo llevó a escribir de aquel encuentro atrayendo la atención de su público; lo cual obligó a López a buscar a Nathiel por toda la ciudad y así poder conseguir más información sobre su vida.

El libro del López narra todos estos encuentros, las conversaciones, de cómo un músico que estuvo a punto de formar parte de la Orquesta de Nueva York, terminó pidiendo limosna en las calles de Los Ángeles.

Esta película es todo un reto para Wright, en primer lugar porque es su primer trabajo en cine que no es de época y en segundo lugar porque el tema envuelve en sensaciones relacionadas con la música, el arte y la locura, aspectos que quedan opacadas en el filme y bien libradas en libro; lo cual provoca que el director británico caiga en la confusión de tesis, dándole giros al hilo conductor de la película que nunca llega a ninguna parte.

Lo interesante, rescatable y aplaudible de la cinta, es la versatilidad que tiene Wright al crear cada escena, cada una es un pequeño video clip con una estética maravillosa, una armonía técnica que trae como resultado una cinta que explota únicamente dos talentos: el trabajo del director y la innovadora fotografía de Seamus McGarvey.

Por cierto, se extrañan esas secuencias coreográficas sin cortes de más de diez minutos que solo Wright puede lograr.

La dulce vida

¿Quién es Poppy?

Poppy es la única mujer que se ríe de un dolor de espalda, la única que no se enoja cuando le roban algo, de las pocas que conozco que no explota al ser juzgada por los demás. Aparte tiene la peculiaridad de regalarle una sonrisa a las personas para mejorarles su día.

La dulce vida, es la película más reciente de Mike Leigh (Vera Drake, Secretos y mentiras). En esta película el director  inglés le da vida a Poppy, una mujer de 30 años que decide vivir  feliz, sin necesidad de casarse, de tener hijos, de tener una casa propia, de tener responsabilidades de lo que las personas llaman “ser adulto”. Poppy simplemente vive con sencillez, alegría y para servir a los demás.

A lo largo de la película, el personaje de Poppy caracterizado notablemente por Sally Hakins, ganadora del Globo de Oro a la mejor actuación de comedia femenina este año, muestra su personalidad, la cual suele ser irritante para algunos o simpática y admirable para otros. Durante el film Poppy desenvuelve  sus puntos de vista y reacciones ante la vida en distintas situaciones como en una gloriosa clase de flamenco, en una pelea con su instructor de manejo o en una discusión con su hermana que la empuja a vivir en la “normalidad”.

La película resulta un gran acierto en la carrera de Michael Leigh, este director nos tenía acostumbrados a personajes femeninos oscuros como Vera Drake, ahora es todo lo contrario, Poppy es radiante, multicolor, ilumina la pantalla y da importantes lecciones de vida al público. El espectador rara vez quita la sonrisa de su rostro, esperando alguna nueva hazaña, reacción o comentario de la protagonista.

Con todo el dinamismo que Poppy tiene en la pantalla, cumple su misión, de otorgar una comedia digna de analizar por la gente de mi generación y hacerse una sencilla pregunta: ¿realmente quiero vivir como adulto o quiero vivir feliz?

Voy a explotar

Voy a explotar

La adolescencia  suele ser una etapa donde uno se hace preguntas sobre la existencia, sobre la forma en que se deben hacer las cosas, donde uno cuestiona las actitudes de los demás pensando que todos están mal, donde uno es invencible y no pasa nada, donde uno es el héroe de su propia vida o donde uno simplemente quiere gritar “¡voy a explotar!”.

Voy a explotar, último largometraje de Gerardo Naranjo (Drama-Mex, 2006), nos cuenta la vida de Roman (Juan Pablo de Santiago), un adolescente probablemente desubicado, probablemente rebelde o simplemente un adolescente que acaba de entrar a una nueva escuela. Es ahí donde conoce a Maru (Maria Deschamps), una joven de 16 años posiblemente olvidada en su casa, una joven de 16 años posiblemente peleada con la sociedad o simplemente es una joven de 16 años común y corriente. Desesperados o angustiados o aventurados o desubicados o todas las anteriores, deciden escapar de sus casas con la intención de vivir su vida o de rebelarse o de olvidarse de sus papás o de llamar la atención o todas las anteriores.

La película cae rápidamente, los diálogos y la historia son predecibles. El juego del adolescente que probablemente está viviendo al máximo o que probablemente está desubicado sale de contexto en repetidas ocasiones. La idea de la soledad de los jóvenes por falta de atención de sus padres resulta trillada, así como el papel del político de Jiménez Cacho.

Gerardo Naranjo decide hacer esta película para un público joven, donde lo importante es llamar su atención con sobreexposición de colores, varias tomas con cámara en mano para dar dinamismo a la fotografía,  usa canciones de moda en momentos clave de la historia y capta en algunos instantes los cuestionamientos que la mayoría de los adolescentes se hacen a esa edad.

La película se pierde en este mundo dual del joven de inocente – rebelde, no logra la esencia del cuestionamiento de las jóvenes de Criaturas Celestiales (Peter Jackson, 1994) o Virgenes Suicidas (Sophia Coppola, 1999) películas que no tratan meramente el tema de Voy a explotar, pero sí transmiten acertadamente esa atmósfera llena de dudas, ilusiones y decisiones que puede tener un adolescente.

Quiero explotar un grito recurrente del cine mexicano.

Limbo

Limbo

El cine que toca temas homosexuales, el cual es mal llamado cine gay (¿acaso existe el cine heterosexual?) ha tenido gran presencia en el cine mexicano con logros como “Mil nubes de paz cercan el cielo, amor, jamás acabarás de ser amor” (2003) de Julián Hernández o “Cielo dividido” (2006) del mismo director. Estas películas nos muestran un cine fuera de los clichés sociales y nos dan una visión más cercana de la situación de los homosexuales en nuestro país.

Acción contraria ocurre en “Limbo” segundo largometraje de del director Horacio Rivera (Los pajarracos, 2006). Esta película realizada en formato digital, nos muestra la vida de Isao, un niño homosexual de 10 años, el cual realiza un viaje al limbo, lugar donde según la película, uno se encuentra con los errores y aciertos y de su vida, donde se vive el verdadero juicio que va más allá del juicio social que día a día recibe este niño.

Horacio Rivera tenía un gran reto al realizar esta película debido al tema que maneja, la comparación inmediata se realiza con “Mi vida en rosa” (Alain Berliner, 1997). Un niño con mentalidad de niña, teniendo un constante enfrentamiento social por sus preferencias sexuales. Sin lugar a dudas la película de Berliner sería la gran triunfadora del encuentro.

“Limbo” además de fallas técnicas como de iluminación y continuidad, muestra mucha debilidad en la realización del guion, incongruencias en la historia, diálogos  trillados y actuaciones lamentables, salvo Fátima Díaz en el papel principal.

Uno de los grandes aciertos de la película, es que logra contagiar al espectador del ambiente en que vive en limbo, donde el tiempo es eterno en los casi 90 minutos de duración de la película lo que provoca que la sala se convierta en este lugar que está entre el cielo y el infierno, donde sólo los que deciden escapar de la sala, van al cielo.

UP!

Up!

Como cualquier niño, Carl Fredicksen tenía su héroe, este no era deportista, ni súper héroe, era un explorador, Charles F. Muntz, que viajaba en su zepelín por tierras desconocidas en busca de especies exóticas y resolviendo misterios para la humanidad.

Ahora Carl Fredicksen tiene 78 años, está a punto de perder su casa, toda su vida la dedicó a trabajar como vendedor de globos y a consentir a su amada Ellie, con la cual compartía un sueño de volar por los aires y tener aventuras como su héroe explorador.

Carl, ante la presión de perder su hogar y sabiendo que no le queda mucho tiempo de existencia, decide convertir su casa en una especie de zepelín y lograr el sueño que tuvo durante toda su vida: tener su hogar al lado de unas cascadas en Sudamérica.

Es así como empieza la aventura de la nueva película de Disney Pixar, Up! Dejando atrás la idea de fantasías y sueños que nos venden las películas animadas, Up! nos muestra un mundo más realista, donde la protagonista principal es la soledad, la cual se encuentra albergada en Russel, un niño explorador de padres divorciados olvidado por sus papás o en Carl, un anciano solitario segregado por la sociedad.

Up! cuenta con una gran definición en las gráficas, con efectos muy bien logrados que le dan cierto realismo a la película, los cuales fueron desperdiciados en su versión 3D. Por otra parte cuenta con una gran narración, los primeros 15 minutos nos remontan a una película de Chaplin, fórmula utilizada en Wall-e, donde con unas cuantas imágenes nos describen 70 años de vida de una persona, sus tristezas, sus alegrías, sus logros, etc.

El ritmo de la cinta en hábil, continuo, no como en algunas películas animadas que se logran caer. Up!, como su nombre lo indica, siempre está arriba, haciendo pensar y reflexionar a los mayores sobre cuáles son los sueños en su vida y cuándo lograrlos a cabo. Mientras para los niños es una aventura ágil con grandes escenas de acción y con un sinfín de detalles y cuestiones sociales que hasta a un padre son difíciles de explicar.

El curioso caso de Benjamin Button

El curioso caso de Benjamin Button

David Fincher a los finales de los noventas fue catalogado como un director de culto por marcar a una generación con The Fight Club(1999), los largos lapsos de tiempo que sus fanáticos esperaban para las entregas de algún trabajo fílmico generaban expectación que no desilusionó en The Panic Room (2002) y en Zodiac(2007). Fincher ha innovando en cada  género en el que ha incursionado sin caer en clichés y con una propuesta firme e interesante en cada película que presenta.

 

¿Qué pasa en el Curioso caso de Benajamin Button? Para los fans del director es un gran fracaso, cae en convecionalismos, las líneas de narración son poco arriesgadas, no existe una marca del Fincher oscuro, misterioso e inteligente al que nos tiene acostumbrados. La línea de la película es muy parecida a la de Forest Gump (Robert Zemickis, 1994): una vida de principio a fin, un amor posible-imposible, un parteaguas en los efectos especiales, el uso de varios personajes, el uso de catalizadores (en Forest Gump es una pluma, aquí es un colibrí), la existencia de un almirante que influye en la vida de los protagonistas, una madre ejemplar, etc.

 

La película narra una historia de amor que tiene como diferencia el paralelismo de los tiempos, él se va haciendo más joven con el paso de los años debido a una extraña enfermedad y ella sigue el ciclo de la vida normal. Benjamin Button narra su vida por medio de un diario, que es leído a una paciente terminal el día que entró Catrina a Nueva Orleans. Durante el film vemos el final de la Primera Guerra Mundial, los estragos de la Segunda y los avances tecnológicos y musicales que vivió el protagonista hasta su muerte en los años ochenta.

 

Un aspecto impresionante en el film son los efectos especiales y el uso del maquillaje reflejados en los rostros de Pitt y Cate Blanchet (Daisy, la enamorada de Button). Ver cómo uno va envejeciendo y el otro rejuveneciendo en detalles como las bolsas de los ojos, las arrugas al reir o la elasticidad que tienen la piel sustentan las nominaciones a Mejores Efectos Especiales y Maquillaje en la próxima entrega del Oscar.

 

La película es una producción más, sin ton ni son. Marca el error de un gran director, el cual esperemos que aprenda, que regrese a su esencia, que crezca y no que se haga inmaduro con el tiempo, como le pasó a Benjamin Button.