Julie and Julia

Julie & Julia

Entrada

Película dirigida por Nora Ephorn, experta realizadora de comedias románticas caracterizada por escribir blockbusters como Tienes un email (1998), Bewitched (2005) y ser nominada al Oscar por su guión original en películas como Sintonía de amor (1993) y Cuando Harry conoce a Sally (1989).

En esta ocasión la directora neoyorkina ejecuta un ejercicio de guionismo interesante, en el cual adapta dos libros a la pantalla grande y nos muestra dos películas en una, las cuales tienen en común la pasión por la cocina. Por una lado adapta el libro homónimo de Julie Powell y el libro de recetas de la famosa cocinera estadounidense Julie Chlid, llamado Mastering the art of french cooking.

Sopa

Una “de las dos películas” que integran Julie & Julia, es la historia de Julie Powell, interpretada por Amy Adams (La duda, 2008), una mujer cercana a los treinta que trabaja en Nueva York asistiendo a los familiares de las víctimas del 11 de septiembre. Su trabajo, como ella misma lo describe, es triste y miserable, está cansada de la rutina en la que vive y le gustaría ser como sus amigas, es decir, exitosa. De pronto se propone una meta en su vida, realizar las 524 recetas del libro de Julia Child, de la cual es gran admiradora; y escribir un blog, donde narrará día a día la experiencia al realizar cada platillo.

Plato Fuerte

A la par que la vida de Julie, se nos presenta Julia Child, interpretada enérgicamente por Meryl Streep. Julia es una estadounidense que llega a vivir a Paris en los años 50, su aferración por ayudar a que las americanas sin sirvientas aprendan a cocinar comida francesa,  la lleva a enfrentarse al machismo francés para ingresar al Le Cordon Blue y realizar todas las metas que surgen durante su vida, mismas que la llevaron a convertirse en un ícono culinario del siglo pasado.

Postre

Una vez más Meryl Streep nos demuestra que es una de las grandes actrices en Hollywood, su talento para reinventarse, para adoptar un papel y hacerlo suyo es realmente admirable. El problema es que inconscientemente difumina a las co-actrices que comparten películas con ella, como en esta ocasión ocurre con Amy Adams  y el pasado en películas como El diablo viste a la moda (2006) o Mama Mia!(2008), donde las coestrellas Anee Hethaway y Amanda Seyfried son opacadas ante el actuación de Streep.

Por otro  lado Nora Ephorn consigue transportarnos de una forma muy bella al Paris de los años 50, el vestuario, la ambientación, el cuidado que tiene en cada escena hace que esta parte de la película envuelva al espectador en una atmósfera de humor, genialidad e ímpetu que transmite el personaje de Julia Child, logrando grandes escenas por las que seguramente será recordada la directora neoyorkina.

El vaivén de una época a otra no le hace ruido al espectador, ambas partes de las películas están muy bien ligadas y se logran contrastes interesantes entre la sociedad francesa y la estadounidense, entre el papel de la mujer en la sociedad de los cincuentas y del dos mil, entre las relaciones de pareja de mediados del siglo pasado y de principios de este.

Alka seltzer (para las agruras)

Aparte de la actuación de Amy Adams, existe otro error crucial en la película, la directora decide irse por el camino más fácil y resuelve la cinta con un mensaje y ambiente de optimismo para todas mujeres, en vez de explotar la pasión por la cocina y la relación tan cercana que se puede tener con ella como nos muestra Ang Lee en Comer, beber y mar (1994) o Alfonso Arau en Como agua para chocolate (1992). Esto lleva a que los logros de los ingredientes principales de esta película, como la actuación de Streep y la concepción de grandes escenas, tengan un mal proceso de cocción y hagan que el resultado final esté un poco desabrido.

REC 2

REC 2

Los directores españoles Jaume Balagueró y Paco Plaza,  entregan la secuela REC, cinta que con el tiempo se ha hecho merecidamente de culto entre los seguidores del cine de horror, situación de la cual está muy alejada REC 2.

REC 2 comienza quince minutos después de la última escena de REC, ahora agentes SWAT van en camino al edificio en el cual se reporta una infección desconocida entre todos los habitantes del lugar. Los agentes no van solos a su misión, entran acompañados de un caricaturesco sacerdote alemán el cual los dirige para realizar su objetivo.

Lo que es admirable en REC es la innovación en la forma de envolver al espectador en un ambiente de tensión y terror usando una sola locación y una cámara en mano. En REC 2 vemos más presupuesto y efectos especiales lo cual nos hace pensar en la posibilidad de innovar en la creación de las escenas, pero es todo lo contrario, vemos la misma fórmula utilizada en la primera parte.

Las grandes influencias en este filme de los directores Balagueró y Plaza, son tres principalmente: los videojuegos, Alien (Ridley Scott, 1979) y el Exorcista (William Friedkin, 1973). El filme está narrado en tercera persona como un juego de Gear of Wars donde cada agente SWAT desde su cámara tiene una perspectiva distinta de lo que ve en el edificio. Así nos van pasando de cámara en cámara la primera media hora, para después ir pasando por pequeñas misiones y encontrando pistas que nos llevaran al objetivo final, tal como si fuera un juego de Xbox o Playstation.

Un gran acierto de REC son las grandes actuaciones, como la de la protagonista Angela Vidal (Manuela Velasco), la cual transmitía su miedo, preocupación y nerviosismo al espectador. En esta ocasión el talento actoral quedó a un lado, ahora los personajes alteran a la audiencia no por la tensión que se supone deben desbordar en la historia, sino por la falta de convencimiento de su estado de alteración que cae en la caricatura.

El guión de REC2 no convence del todo como la primera parte, quedan grandes vacios y errores tajantes en la historia. Lo admirable es una vez más el maquillaje, el sonido y la fotografía, realizada por Pablo Rosso el responsable de la cinematografía de REC. Estos elementos hacen ver el talento que hay en España, los cuales con un menor presupuesto, realizan y superan producciones de Hollywood.

Los directores de la cinta, Jaume Balagueró y Paco Plaza decidieron apretar por segunda vez el botón de REC, cuando hubiera sido mejor darle DELETE y quedarnos con una maravillosa primera parte.

Bastardos sin gloria

Bastardos sin gloria

Quentin Tarantino

Dos palabras que no sólo dan nombre a un cineasta, dos palabras que marcan una generación, dos palabras que abren una nueva brecha en el cine en cuestión de género y estilo fílmico, dos palabras que cargan una gran expectación en cada entrega que este director realiza.

Inglourious Bastards

Dos palabras que le dan nombre a la nueva película de Tarantino, la cual es catalogada, en las propias palabras del director como “ain’t your daddy’s World War II movie.” En efecto, la película narra la vida de personajes sedientos de venganza ante el régimen nazi, los cuales tienen como propuesta terminar con sus cabecillas y así satisfacer su necesidad de eliminar a este movimiento característico de los años 40.

El filme tiene lugar en Francia, lugar donde una banda de bastardos estadounidenses comandados por Lt. Aldo Raine (Brad Pitt), toman por asalto a líderes nazis para aniquilarlos salvajemente y así ir debilitando poco a poco sus fuerzas.  Por otra parte tenemos a Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent), una francesa a la cual el destino puso en sus manos la oportunidad de matar aquellas personas que en un momento de su vida le hicieron tanto daño.  Finalmente, como en tiempos de guerra, los planes de los conspiradores no se podrían llevar a cabo sin espías como la actriz Bridget von Hammersmark, increíblmente interpretada por Diane Kruger, la cual es una alemana que brinda información aquellos que quieren acabar con el Führer Hitler.

Hans Landa

Simplemente dos palabras: excelente actuación. El coronel Landa, personificado magistralmente por el alemán Christoph Waltz, es uno de los mejores cazadores de judíos que tenía Hitler a su mando.

Más que su importante participación dentro de la historia narrativa de la película, el verdadero valor de este personaje es la actuación de Waltz, el cual da fuerza, intensidad, humor, deseo de venganza y coraje al filme de Tarantino.  Es la gran médula espinal del filme, sin Waltz seguramente Unglorious Bastards sería simplemente una cinta más del director.

Este filme sigue teniendo todos las características claves de una película de Tarantino, hace honor a las de películas alemanas de la época de la postguerra, al igual que un gran tributo al cine italiano de los años 70. Por otra parte, Tarantino utiliza la técnica de Orwell en su libro Rebelión en la granja, donde cada personaje cuenta con paralelismos semióticos e ideológicos de políticos como Stalin o Trotsky.

Es así que Unglorious Bastards es una de las películas más complicadas de Tarantino para los espectadores, debido a que uno tiene la tarea de desglosar los significados que pueda ir captando del filme y así alimentar la historia e ir más allá de lo que se presenta linealmente en la cinta, ir a otro nivel donde todo tiene un sentido muy distinto al que se ve en pantalla.

La película cuenta con conversaciones intensamente largas y maravillosas, una serie de chistes, de información, de movimientos de cámaras que realizan grandes coreografías con las miradas y movimientos de los actores.

Es muy común escuchar hoy en día el debate si esta película supera a Perros de Reserva (1992), Pulp Fiction (1994) o Kill Bill (2003-2004). Simplemente son obras que no se pueden comparar, cada película fue realizada en el momento indicado y representa un episodio en la historia del cine. Tal vez  Unglorious Bastard no será representativa de la década como Tiempos Violentos, por ser un filme de época, pero sí será recordada como película anti-nazi que seguramente nuestros hijos tendrán que ver.

Séptimo arte

Dos palabras a las cuales Unglorious Bastard le hace honor…  o/y viceversa.

Coco antes de Chanel

Coco antes de Chanel

Algunas de las biografías que vemos en el cine tienen las características de narrar la vida de héroes, de personas que lucharon por sus ideas, de gente que tuvo el valor para enfrentar a la sociedad, de personas que nacen en la miseria y mueren en la opulencia. Pero los pequeños giros de la vida de Coco Chanel, reflejados en la cinta Coco antes de Chanel, nos llevan a ser espectadores de una peculiar antibiografía.

La película dirigida por Anne Fontaine, directora de La fille de Monaco, película que pudimos ver en el Tour de Cine Francés de este año,  nos narra la vida de Grabrielle Chanel, una niña abandonada en un orfanato de monjas donde aprendió a coser. Años después, trabajó en un taller de sastrería en el día y en la noche cantaba junto con su hermana en un cabaret Qui qu’a vu Coco, canción que la llevó adoptar el apodo de Coco.

Gabrielle siempre tuvo un sueño, el llegar a Paris junto con su hermana a cantar en un elegante restaurante, ser famosa, rica y tener a Francia sus pies. Ella sabía que para lograr ese objetivo, necesitaba contactos, es por ello que se enroló con Étienne Balsan (Benoît Poelvoorde), un barón de la socialité francesa. Gabrielle que venía del abandono y de la pobreza extrema no le importó el rebajarse, esconderse y humillarse para lograr su meta.

Anne Fontaine, traza sutilmente la personalidad de Gabrielle Chanel. El ímpetu, seguridad y decisión que muestra de esta mujer se ve reflejada en sus conversaciones, en su atuendo, en su unicidad que la llevan a sobresalir dentro de la alta sociedad de principios de siglo en Francia; y así empezar a construir el camino que llevaría de Gabrielle Chanel a ser Coco Chanel.

La película, como bien nos dicta el título, narra la vida de Gabriel, más no de Coco. Muestra los años donde conoció el dinero, donde tomó decisiones que forjaron su futuro, donde conoció el amor y donde entreteje una mentalidad alejada del matrimonio y concentrada en la independencia femenina, concepto social desconocido a principios de siglo.

Cabe mencionar que la actuación Audrey Tautou al interpretar a Gabrielle Chanel, es sobresaliente. Muestra una delicada frivolidad y una exacerbada inteligencia que la reinventan como actriz, por fin pudo dejar a un lado el estereotipo de Amelié (2001), el cual ella forjó al actuar de la misma manera en sus demás películas como en A Very Long Engagement (2004) o en The Da Vince Code (2006).

Si un día tienen la oportunidad de observar un Classic Chanel, observen la seguridad, la elegancia, la fuerza, la sobriedad y la discreción del conjunto, características que se encargaron de cortar, coser y bordar puntada a puntada en este filme Anne Fontaine y Audrey Tautou.

Coco antes de Chanel

El solista

El Solista

Algunos directores optan por adaptar Best Sellers o cualquier otra literatura al cine. Muchas veces se obtienen fenómenos como Código Da Vinci o nacen películas de culto como El Padrino. Joe Wright, director de grandes películas como Orgullo y Prejuicio (2005) y Atonement (2007), es asiduo de esta fórmula. ¿Pero qué pasa cuando el cine es insuficiente para representar aspectos y sensaciones que sólo la literatura puede ofrecer?

El solista, reciente película del director británico Joe Wright está inspirado en el libro del mismo nombre del articulista de Los Ángeles Times, Steve López (Robert Downey Jr.), el cual escribe historias de personas que tienen que aportar algo a la sociedad en Los Ángeles.

Un día tratando de buscar la una historia para su artículo, se topó con Nathiel Ayers (Jamie Foxx), un músico vagabundo entusiasta de la obra de Beethoven. La conversación que tuvieron lo llevó a escribir de aquel encuentro atrayendo la atención de su público; lo cual obligó a López a buscar a Nathiel por toda la ciudad y así poder conseguir más información sobre su vida.

El libro del López narra todos estos encuentros, las conversaciones, de cómo un músico que estuvo a punto de formar parte de la Orquesta de Nueva York, terminó pidiendo limosna en las calles de Los Ángeles.

Esta película es todo un reto para Wright, en primer lugar porque es su primer trabajo en cine que no es de época y en segundo lugar porque el tema envuelve en sensaciones relacionadas con la música, el arte y la locura, aspectos que quedan opacadas en el filme y bien libradas en libro; lo cual provoca que el director británico caiga en la confusión de tesis, dándole giros al hilo conductor de la película que nunca llega a ninguna parte.

Lo interesante, rescatable y aplaudible de la cinta, es la versatilidad que tiene Wright al crear cada escena, cada una es un pequeño video clip con una estética maravillosa, una armonía técnica que trae como resultado una cinta que explota únicamente dos talentos: el trabajo del director y la innovadora fotografía de Seamus McGarvey.

Por cierto, se extrañan esas secuencias coreográficas sin cortes de más de diez minutos que solo Wright puede lograr.